安達たけしの連載コラム
～作曲家・アレンジャーとは～作曲家・アレンジャーと呼ばれる人には、実に様々なジャンルが存在します。舞台やミュージカルの音楽監督、映画やドラマなどの音楽制作、企業向けＣＭの音楽制作、アーティストへの楽曲提供、ゲーム音楽制作などなど、数えればキリがありません。そんな多種多様なジャンルにおいても作曲家・アレンジャーになるならば、これらだけは押さえておきたい共通の基礎部分・があります。ここでは私、安達たけしが作曲家・アレンジャーとして考えるその項目を提示してみます。 音楽知識に秀でた存在 依頼を受けての楽曲制作は、自分本位で作る楽曲と違い、様々な表現方法を知らなければ対応できません。さらにそれが舞台や映画などの挿入曲などに内容が及べば、単純な和音などでは表現できない場合も起こりえます。それらに対応するために、ありとあらゆるコードやスケールにおける知識を身に付け、また、それらを使いこなすためのヴォイシングの技法、対旋律の技法などの高等音楽理論を必要とします。作曲家・アレンジャーは、ミュージシャンという枠組みの中でもっとも音楽知識に秀でた人材であることが重要です。 パソコンは道具でしかない 昨今、ＤＴＭやＤＡＷの普及が目まぐるしく、容易に自宅で音楽制作ができる環境が整いつつあり、またサンプリングＣＤなどの進歩により、切り張りによる音楽制作も可能になりました。これは大変、素晴らしいことですが、反面、それが音楽の軽視化に繋がったり、音楽の本質を見失う危険性を持つ傾向があるとも言えます。パソコンは、いわゆる楽器と同じく音楽を奏でる道具でしかありません。いくら道具が立派でも音楽そのものの知識がなければ音楽を制作することはできないというのは容易に想像が付くかと思います。例えば、パソコンの使い方がプロ並みでも「ドレミ・・・」は知らないという人がいたら、その人は音楽が作れる人と言えるでしょうか？そのような音楽知識のないままパソコンを操り制作した音楽は、どこかで音楽の確信的な部分が不足して結果、音楽自体に不協和音やリズムのズレなどが生じることが多々あるでしょう。また、いざ生楽器での作曲やアレンジを求められた時に音楽知識がなければ、それに対応できず他のミュージシャンに迷惑をかけることも典型例として存在します。「パソコンは道具でしかない」という観点から音楽に携わるのであれば、そのパソコンを楽器として使いこなすための音楽知識を身に付けなければいけないのは、ミュージシャンを名乗る上で最低限のマナーと言えるでしょう。 楽器を弾く心を忘れるな 作曲家・アレンジャーの中には、創作活動に没頭するあまり、楽器を弾くのを辞めてしまったり、または、「自分は作曲家・アレンジャーだから楽器を弾く必要はない」という観点に立つ人がいます。しかし、プレイヤーの気持ちが分からない人に、はたして、いい曲やいいアレンジが作れるのでしょうか？音楽制作には、数多くの人が関わり、その中でもプレイヤーとの関係は特に大事です。例えば、譜面の書き方一つ取っても、そこには「作曲家・アレンジャーにとって読みやすい譜面の書き方」と「プレイヤーにとって読みやすい譜面の書き方」の二通りが存在します。自分自身だけが読む譜面であれば、自分の読みやすいように書けばいいですが、プレイヤーにとって読みやすい譜面を書くには、プレイヤーの気持ちが分からなければいけません。プレイヤーの気持ちが分かるとは、つまり自分自身がプレイヤーであることなのです。自分自身をプレイヤーの立場に置き換えられる人は、レコーディングにおいてもライブにおいてもスムーズにコミュニケーションを取ることができます。楽器が下手でも構わないのです。要は自分がプレイヤーである認識を保つために、楽器を弾くことを創作活動と同等それ以上に扱うことが大事なのです。 2010年4月14日 アダチ音研代表 安達たけし |
～アレンジャーが求めるギタリスト像～アレンジャーは自分の作曲編曲した曲を具現化するため、様々なミュージシャンを起用します。その様相は千差万別で、例えば「ある一点においては突出した技を持っている個性的なミュージシャンだが他に関してはまったくダメ」という場合でも最終的にその人が必要であれば起用することもあります。しかしながら、このようなシチュエーションは希な例であり、マクロな視野で見れば、やはり最低ラインにおいて、これだけはミュージシャンとして出来て欲しいというものがあります。ここではあえてギタリストに的を絞り、アレンジャーがギタリストに求める必要不可欠なものを取り上げてみます。 読譜力 自分の好きな曲をただ弾くのと違い、他人であるアレンジャーの求めるものを弾く以上、譜面はお互いの意思疎通するための重要アイテムになります。そこでギタリストには、その譜面を理解する力、つまり、ギターのテクニック以上に音楽理論の能力を要求することになります。また、譜面は当日に渡される場合もあり、さらにその場での急なアレンジ変更などもあるので、初見力（sight reading）も要求されます。ギタリストはとかく譜面を苦手とする人が多いですが、譜面の重要性を考慮に入れ、普段から譜面を読む訓練をしていくことはプロギタリストへの第一歩と言えるでしょう。 アンサンブル理解力 リード楽器（サックスやヴァイオリンなど）と違い、ギタリストには、単純にコード進行だけを提示し、そこから先は自由に弾いてもらうというパターンの依頼をすることが多くあります。自由である以上、そこから先の演奏はギタリスト次第になりますが、この場合、「自分のギターと他の楽器の調和」という部分を考慮に入れられるか？が非常に重要なポイントになります。アレンジャーの作る曲は、ギター主体の曲ばかりではありません。時には全体を支えるという位置付けの演奏もあれば、時にはある一部分だけをギターで補ってもらいたいという位置付けの演奏など様々です。自分の技や音色を理解し、さらにそれをどのような場や雰囲気で使うかを考えることは、ギタリストの思考回路に常になければいけないことです。つまり、ギタリストは音符を読むこと以上に自由を与えられたシチュエーションでどれだけアンサンブルに貢献できるか？ということが大事になるのです。 安定度 ギタリストは多くの機材を使うため、音色が安定しない場合があります。アレンジャーは、ギタリストの技はもちろん、その音色も含めて起用するわけですから、どのようなシチュエーションにおいても自分のサウンドを作れることが重要です。「その場に機材が無いから自分の音が出せなかった」「機材がレンタルだから自分の音が出せなかった」などは言い訳にはなりません。自分のサウンドをいつも出せるようにレンタルであっても自前であっても、その研究を常にしておくことが必要です。 仕事態度 気心しれた自分のバンドなどでギターを弾くのと違い、アレンジャーの呼びかけのもと集まったミュージシャンの中の一人である以上、そこには初対面の人もいれば、大先輩もいたり、その人間模様は様々です。そのようなシチュエーションにおいて、他人に迷惑をかけないためにも遅刻などは厳禁です。また、そういう場ではコミュニケーションも大事になるので、挨拶もキチンとできなければいけません。至極当たり前のことのように聞こえますが、それが音楽に影響してしまう以上、アレンジャーの中では重要な位置を占めています。いくらギターが上手くても、それができなければ二度と仕事は依頼しないという例も多々あります。プロギタリストを目指すのであれば、ギターのテクニック以上に仕事態度は、自分の中で重要な位置付けにしておくべきでしょう。 2010年5月19日 アダチ音研代表 安達たけし |
～音楽で食べていくとは！ 1～序章：「情報」と「現実」のギャップ 音楽を志す者にとって、常に問題になるのが「音楽で食べていけるか？」もう少し、具体的に言うならば「音楽が仕事として成立するか？」という部分です。昨今、たくさんの専門学校、音楽大学が存在し、その中で心無いところでは「就職率１００％」などの安易な言葉が乱立する学校も少なくありません。しかし、音楽界の経済規模、仕事の特異性、またそれに従事する関係者の数などを考慮するならば、そのキャッチがいかに絵空事であり、非現実的なものであるかは誰もが理解できると思います。ここでは「音楽＝仕事」という部分にフォーカスを当て、真摯にその現状を検証してみたいと思います。 考察１：「音楽と金銭価値について」 そもそも音楽を金銭価値に変換すること自体、とても難しく、むしろ変換できないと言ったほうが正解かもしれません。しかし、それでも「なぜ音楽を仕事として生活していくのが困難なのか？」ということに対してのみ論点を当てるとしたら、以下のようなことを理解できなければその志を達成することは難しいかもしれません。 |
～音楽で食べていくとは！ 2～考察2：広い視野と継続による音楽界との関わり 音楽を職業としていくことは、非常に困難な選択であることは周知の事実です。しかしながら、逆の見方をすれば、「チャレンジしない人、継続ができない人、困難に立ち向かえない人」が、世の中には多いとも言えます。かつて私が若い頃、ある著名ミュージシャンに「安達くん、４０歳まで諦めずに続けてごらん。必ず食べられるようになるから」という言葉を言ってもらったことがあります。私は、その言葉の真意がなんであったのか？当時いつも自問自答していました。これから書くことは、私なりに導き出したその答えの一つです。 「継続は力なり」とは？ よく「継続は力なり」と言いますが、「どうしてそうなのか？」が語られることはあまりありません。継続とは信頼の積み重ねです。どんなに才能豊かなミュージシャンであってもそれを手助けしてくれる人の力なくしては、それが生かされることはありません。継続することにより多種多様な人脈が出来上がり、そこに才能と努力があれば、その人脈によってあなたは、生かされていくのです。地道な信頼の積み重ねにより、多くの人と出会うことで人脈が出来上がり、自分が認められていく、それが「継続は力なり」の音楽における本当の意味なのです。 音楽の仕事は一つではない 誰もが「バンドを作りデビューしたい！」「ミュージシャンとして売れたい！」など語ります。それ自体は大変、素晴らしい夢であり目標ですが、同時にそれは音楽界における表面の一部でしかないという認識も今のうちから知っておきたいところです。音楽界は、実にたくさんの仕事内容によって支えられています。ライブハウス経営、音楽雑誌編集、レコード会社、芸能事務所、エンジニア、音響、スタジオ経営、広告代理店、音楽講師、音楽学校経営、コンサート運営、その他、数えればキリがありません。そして、その全ての仕事が「バンドデビュー」や「ミュージシャンとして売れる」ことと、同等以上の価値がある仕事だと認識することは重要なことです。 自分の夢を超えた使命とは？ 先に書いた２項目を考慮に入れた上で、例えば、あなたがバンドデビューするために一生懸命、何年も頑張ったが、それでもその夢を叶えることができなかったとします。しかしそれは無駄なことだったでしょうか？もし、あなたが本当にそのために努力していたとすれば、その姿は必ず誰かが見ています。そしてバンドデビューは出来なかったけど、 |
～音楽で食べていくとは！ 3～音楽界に飛び込み、そして仕事をしていくためには具体的な行動を起こさなければいけません。今回は特に、アーティストとしてその世界に飛び込んでいくために必要な行動について書いてみたいと思います。 プロモキットを作る： プロモキットとは、自身（バンド）のプロフィール、音源、連絡先等を明記したアピール素材です。まずは、自分をアピールするためにプロモキットを常備し、それを必要とされる場面ですぐに手渡せる状況にしておかなければいけません。もし、そのチャンスと巡り合った時に作り始めるようであれば、その時点ですでに手遅れと思った方が良いでしょう。その他、レコード会社へ送付、オーディションへ送付、著名アーティストへ送付、ライブ出演のための素材など、用途は多岐に及びますので数もある程度用意しておいたほうが良いでしょう。 具体的な内容物： 以下に最低限、これだけは用意しておきたい物を書き出します。 アイディアを駆使する： プロモキットを作ることはプロ、アマを問わずアーティストとしての常識です。ということは、ただ作っただけでは、他との差別化が図れず、膨大な数のプロモキットの中に自分のものが埋もれてしまう可能性があります。ここでは、私が出会ってきたアーティストが「いかにしてプロモキットを見てもらうか！？」のために実践しているアイディアをいくつか書き出します。 誰に見てもらうか？： プロモキットを作ったら、今度はそれを誰に見てもらうか！？が焦点になります。一般的に皆さんが考えるのがレコード会社、芸能事務所、音楽事務所へ送ることだと思います。それはそれでとても重要ですのでチャレンジしてください。しかし、それだけではやはり、他との差別化は図れません。そこで考えたいのは、音楽を必要としている人や企業は、どこに存在するだろう？ということです。例えば、映画会社、広告会社、極端な話でいけば音楽イベントなどを企画する地方自治体など、発想すれば、いくらでも出てきます。「音楽＝音楽」ではなく「音楽＝無限の視聴者」と考えてプロモーションするのは、一つの考え方だと思います。また、レコード会社ばかりでなく、アーティストの個人事務所などへの送付も考えたいところです。大手にはその規模に準じただけの多くのプロモキットが集まるので、なかなか目に止まることがありません。しかしながら、個人事務所の場合は、規模が小さいので送られてくるプロモキットの数も意外な盲点で少ないことがあります。規模は小さくても著名アーティストであれば、音楽界への影響や力は十分にありますので可能性が広がります。 |
～音楽で食べていくとは！ 4～結論：音楽家を志すための本質的な努力と思慮 ５回に渡って書いてきた「音楽で食べていくとは」について、ついに最終回となりました。正直、このテーマに対する明確な答えを導き出すことは難しいでしょう。しかしながら、私が思うところの結論を書くことで、多少なりとも志ある方々へプラスの影響があれば幸いです。具体的な姿勢や行動については前回までのエッセイを読んで頂き、ここでは根本的な本質について書いてみます。 |
